Expo EL ÚLTIMO LUSTRO, Nuevos artistas del Perú.

Buscando una república

Impresión digital

1.30m. x 1m.

2010

SALA LUIS MIRÓ QUESADA GARLAND
Avenida Larco esquina Diez Canseco
Invitación a exposición:
"EL ÚLTIMO LUSTRO" Nuevos artistas del Perú
Jueves 12 de Enero, 7.30 p.m.

Esta puerta no la cierra nadie

Esta puerta no la cierra nadie

retablo

40cm. x 35cm.

2011

En reconocimiento a los artistas tradicionales del Perú, primeros cronistas de la guerra interna que desde su productos culturales dieron la batalla por la memoria.

Presentado en la Colectiva La Reinvención de la Memoria, el arte popular reloded

Galeria del Barrio

1 de diciembre

Lima - Perú.

el proceso:

Video Performance Cubapaq Perupaq

Título: Cubapaq, Perupaq / A cuba a Perú

Basado en el fragmento Cubapaq del poemario Katatay de José María Arguedas, presentado en el II Festival de Poesía de Lima (2011).

Autor: Mauricio Delgado Castillo.

http://www.mauriciodelgadoc.blogspot.com/

PERUANISCHE KÜNSTLER IN BERLIN

Día de la independencia

óleo sobre lienzo

2011

PERUANISCHE KUNSTLER IN BERLIN

(Pintura Peruana en Berlin)

The Temporary Gallery Berlin

22.09 – 22.10.11

Una larga mirada

El núcleo de los pintores que exponemos ahora en The Temporary Gallery Berlin, al cual se han ido sumando otros artistas con propuestas personales y coherentes, tuvimos la ocasión el año pasado de exponer en Alemania, exactamente en la galería El Pacífico de la ciudad de Stuttgart y dentro de unos meses algunos otros participaremos en otra exposición en Berlín. De modo que, esta primera exposición de Pintura Peruana en Berlín, sirve de pretexto para reflexionar brevemente acerca del espíritu libertario de aquella primera revolución pictórica alemana, El Expresionismo de El Puente y de cómo su esencia perdura cuando ha pasado más de un siglo de su fundación en Dresde, el 07 de junio de 1905 por los estudiantes de arquitectura y pintores autodidactas: Bleyl, Kirchner, Heckel y Schmidt-Rottluff, que llegaron a mezclar con gasolina su pintura buscando plasmar lo más fluidamente aquello que sus ansias exigían. Esos artistas arrojados prefiguraron hace ya más de un siglo el deseo que se mantiene patente en los pintores humanistas, que buscan renovar las tradiciones y no suplantarlas por artilugios y que a pesar de los nuevos academicismos y oficialismos, buscan en su ser individual la voz propia de su obra. Die Brucke se forma en Dresde para luego establecerse en Berlín. Allí, Lieberman y Corinth, de la Secesión, determinaban el panorama artístico del imperio expirante y ante ellos se rebelaron. Y aun cuando el eco de Francia, Gauguin, Matisse, Van Gogh –Nolde aconsejó incluso llamar al grupo Van Goghiana y no Puente- persistía e impregnó de principio a fin la obra de su líder Kirchner –quien toda su vida renegó de esto y compatriotas suyos como Max Beckmann se lo recordaban cada vez que podían- este se denominaba así mismo el más alemán de los pintores y sin duda su obra definió lo que entendemos predeterminadamente como expresionismo, como pintura alemana. Esa ontología de la imagen que atraviesa la pintura germana sin excepciones desde los tiempos de El Puente en Moritzburg hasta el actual, y máximo representante de la Escuela de Leipzig, Neo Rauch; y, que alcanzó, cómo no, a Auerbach y al recientemente fallecido maestro Freud, ambos berlineses de nacimiento y que infiltraron el carácter expresionista, tal como hicieron los fauvistas franceses con los alemanes, a toda la Escuela de Londres cuya influencia continúa y se expande entre nuevas generaciones de pintores en todo el orbe más allá de distintos escollos, como es natural. Sin embargo, ya lo dijo Cezanne, el arte no es la naturaleza, es una armonía paralela a la naturaleza. Precisamente por eso es que el pintor construye su vida en función de la pintura. La pintura vive en los pintores. En su obra. El pintor dialoga con sus referentes, con sus maestros, a través del trabajo propio y ajeno. La historia toda de la Pintura es una larga conversación sin palabras, mejor, una larga mirada. -La Escuela de la Vista, que añoró Kokoshcka- La pintura se transmite y se mantiene viva de pintor en pintor en una suerte de tradición pictórica, en lugar de una tradición oral. Y aquí cabe mencionar también a la cantidad enorme de papeles escritos por los propios pintores, plasmando su pensamiento pictórico en textos escrutados en medio de sus procesos. Podemos encontrar sus concepciones del arte en sus correspondencias, en sus diarios, todo ese magma verbal que da luces intensas sobre la apreciación de su obra pero que jamás -ningún texto puede justificar una obra de arte- la definen. Por lo expuesto, es una bajeza falaz afirmar que los pintores no estudian, que no investigan, que no teorizan. Todos los maestros de la pintura moderna, y hablando únicamente de ese período, desde Cézanne hasta Arikha han dejado escritos, reflexiones, acerca del oficio del pintor, desde su propia experiencia*. Y si algo une a la mayoría de los pintores que exponemos ahora en The Temporary Gallery Berlin, precisamente es ese afán de Pintura, de imbuirse en ella, a través de exposiciones, libros, conversaciones, escritos, coleccionismo, de hallarse en el torrente de la tradición plástica y beber y reconocer sus fuentes a pesar, por supuesto, de las saludables y necesarias diferencias y hasta rencillas entre pintor y pintor. Además, ser abiertos a compartir lo poco de lo aprendido, las lecturas, dar a conocer nuevos artistas, nuevos espacios; todo ello no puede ser confundido con una banal jactancia sino que en realidad es un esfuerzo por compartir con personalidades afines aquello que nos pueda interesar. Por todo ello, estoy convencido de que algunos de estos pintores, resultarán siendo un puente entre lo que se ha perdido de la esencia de la pintura y lo que pueda recuperarse en el trabajo de los pintores que vendrán: jóvenes que ahora mismo luchan en sus escuelas, en sus talleres, en su propia experiencia diaria, por encontrar un recodo en medio de los siglos de tradición pictórica cuando no es lo políticamente correcto según los cancerberos del arte contemporáneo y las imposiciones de una nueva y nefasta Academia oficial que desprecia el fundamental individualismo del verdadero pintor, resultando toda esta lucha en una valiente Resistencia que se desarrolla incipientemente en Lima pero que ya ha logrado victorias en centros del arte como Nueva York, Londres, Barcelona, entre otras ciudades. En ese contexto y, para finalizar, vuelvo a la memoria de aquella revolucionaria comunidad artística fundada en Dresde, en palabras del historiador Norbert Wolf: “…La llamaron Die Brücke (El Puente), en recuerdo a una frase de Nietzche en la obra Así habló Zaratustra (1883-1885): “La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta: lo que en el hombre se puede amar es que es un tránsito y un ocaso…” .

IVÁN FERNÁNDEZ-DÁVILA

Lima, septiembre 2011

Colectiva Trazos de la Historia en Espacio PAUSA

Nunca Tuvimo país

impresión digital

2011

Nunca Tuvimo país

impresión digital

2011

Este Jueves 21 de Julio Casa Pausa inaugura la muestra colectiva y presentación del libro TRAZOS DE LA HISTORIA, publicación donde se muestra la obra de 47 artistas peruanos en torno a temas tales como: Historia oficial del Perú, historia del Perú basada en la educación escolar, historia “no oficial” del Perú, alegorías en torno a lo patriótico, entre otros.

En conjunto, este grupo nos muestra mediante el dibujo, grabado y colla ...ge, una reflexión sobre los eventos y personajes protagonistas de nuestra historia, asi como una interpretación contemporánea y amplia sobre la construcción de nuestra realidad nacional.

EL LIBRO:

TRAZOS DE LA HISTORIA representa un proyecto de artistas para artistas, es auto-gestionado y no cuenta con ningún tipo de auspicio gubernamental o privado. Esta publicación esta bajo la curaduría y edición de Felipe Mayuri Poma y muestra una mirada variada hacia nuestra historia y sin preferencias por alguna ideología o movimiento político en particular.

 

LA MUESTRA:

A partir de la iniciativa de Felipe Mayuri Poma, el espacio de arte “Casa Pausa”colabora con la organización de la presentación del libro, acompañada de una muestra de los dibujos y grabados mas representativos del mismo bajo la curadoría de Andres Ennen y Andrea Elera.

Auspicia:

Fundación Renee Navarrete Risco.

Desco.

La muestra permanecerá abierta hasta el dia Viernes 12 de Agosto.

Horario: Lunes a Sabado 11:00 am a 5:00 pm.

La Calandria deFuego, creadores contemporáneos en diálogo con Arguedas

 Exopsición Colectiva en homenaje a José María Arguedas en la Feria Internacional del Libro, Lima.

 El Ekeko del sueño americano

Técnica: Mixta

Medidas: 40cm. x 34cm. x 28cm.

Año: 2007

 El Ekeko de las alasitas sobre un banco de oro

Técnica: Mixta

Medidas: 47cm. x 32cm. x 27cm.

Año: 2007

 

El Ekeko de lo imposible por fin hecho

 Técnica: Mixta

Medidas: 36cm. x 33cm. x 22cm.

Año: 2007

Más información del proyecto La Sonrisa del Ekkeo en:

http://mauriciodelgadoc.blogspot.com/2007/09/la-sonrisa-del-ekeko.html

imágenes de la inaguración:

Participando en Bienal de Video VIDEOAKT - Barcelona

http://www.videoaktbiennal.com/2011/index.php?option=com_content&view=article&id=10:videogramas&catid=3:international-guests&Itemid=4&lang=es

Colectiva Pintura Peruana Hoy

53 Pintores Jóvenes del Perú MUSEUM OF AMERICAS- FL, USA. 08 de ABRIL al 30 DE ABRIL 2011

De la ausencia y de ti, patria

Óleo sobre lienzo

60 x 50 cm

2011

Pintar es un acto de rebeldía.

Las 53 obras expuestas en la sala principal del Museum of Americas se desplazan sobre cuatro ejes tácitos: Nuevas abstracciones, La Resistencia de la Figuración, Perspectivas Sociales, La era digital en la pintura, que de algún modo pueden dar una idea de las diferentes tendencias y enfoques en la que los pintores trabajan. Estos cuatro aspectos no fueron planteados para después buscar artistas que los sustenten, todo lo contrario: a partir de la realidad del trabajo actual de buena parte de pintores locales, se establecieron como modo de guías para la mejor disposición y organización de la muestra, es todo. Las obras exponen su existencia por sí mismas.

La sociedad peruana es sumamente heterogénea; pretender que el arte, y en particular la Pintura, no refleje aquella diversidad concluye en una necedad desdeñable. Ahora bien, y peor aún, pretender negar la Pintura, como se niega actualmente desde la oficialidad estatal de algunas salas públicas en Lima, demuestra una arrogancia sin límites, avalada, por supuesto, por fondos públicos, medios de prensa y la retahíla acostumbrada de aduladores. En las denominadas escuelas de arte, superponen la enseñanza de “investigación” al dibujo, en las exposiciones de fin de año uno se encuentra con carpetas repletas de textos, referentes y el nombre del “curador” enorme en la pared junto a un texto larguísimo que casi nadie lee. Aquellos mal llamados profesores han olvidado las palabras del gran Matisse: “Una obra de arte debe llevar su significado completo en sí misma”. A pesar de todo ello, la Pintura, en el oficio y el trabajo de su artífice, El pintor, persiste.

Algunos pintores, ante aquello, se han visto llevados a trascender de la esfera de la praxis pura de la pintura para participar también en el debate, promoviendo exposiciones, conversatorios, publicaciones; en suma, aportando el punto de vista y la experiencia del hacedor. Por otro lado, no está de más señalar que no se pretende en absoluto erradicar otras formas de Arte, ni siquiera las más experimentales. Se propone la coexistencia y/o la alternancia de las distintas manifestaciones artísticas que se desarrollan en el medio local y que el tiempo y, por tanto, la Historia, se encargará de juzgar. Así, estas palabras no son una explicación banal, ni siquiera un pie de página para las obras expuestas -ya en otras muestras en el exterior se ha hablado acerca del desarrollo de la pintura en el Perú, de su momento actual- estas palabras son una invitación a reflexionar la pintura en sí misma, a hacerla nuestra y evaluar la validez de su discurso en nuestros días.

IVÁN FERNÁNDEZ-DÁVILA OCAMPO

Lima, marzo 2011

Nuevo Proyecto: UN DIA COMO HOY

Un día como hoy es un proyecto de intervención en el espacio público virtual que busca poner en evidencia la magnitud y los grados de barbarie a los que llegó el conflicto armado interno (CAI) en el Perú. Por medio de recopilación, exhibición y representación de los sucesos, y utilizando el arte como plataforma, intenta ir más allá del imaginario de las cifras frías y abstractas par humanizar y resaltar cada uno de los casos.

Las fechas conmemorativas de nuestro calendario están pobladas, en su abrumadora mayoría, por efemérides patrióticas que recuerdan diversas acciones heroicas de la vida nacional, y por conmemoraciones del calendario católico.

Una ausencia importante la constituye las fechas referidas al CAI. Tras constituir la guerra que más muertes de peruanos ha causado a lo largo de nuestra historia y cuyas consecuencias y causas siguen conviviendo con nosotros, la memoria y la lucha contra la amnesia aún son una tarea pendiente.

www.undiaenlamemoria.blogspot.com

Participación en Linea y Cuerpo

Libro de Arte Peruano
LINEA Y CUERPO
Felipe Mayuri Poma e Iván Fernández-Dávila, editores.
Presentación: Casa de la Literatura, 29 de septiembre

Publicación que cuenta con la participación de 57 artistas locales donde exponen diversos trabajos en torno al concepto del cuerpo desarrollado bajo la disciplina del dibujo.

Manto sagrado
Lápiz carbón sobre papel
21cm. x 26cm.
2010

Verónica
Lápiz carbón sobre papel
21cm. x 26cm.
2010

Sobre Morada del Alma

Individual presentada del 20 de mayo al 21 de junio en el Teatro Yuyachkani

El cuerpo herido-muerto-desaparecido parece condenado al olvido por el sentido común generalizado que no admite errores. Las madres-hijas-esposas parecen estar por encima de este orden y se rebelan contra él. La víctima y sus familiares, ambos vestigios de nuestra memoria colectiva reciente, el primero detenido pero vivo en sus familias y estas más vivas que nunca. Ambos actores se articulan en la muestra alrededor de la textura del tocuyo crudo y el dibujo realista para presentar a los protagonistas de nuestra memoria ocultada. Ambos, para ser mortaja y remiendo, venda y herida, silencio y coraje.

Morada del alma en quechua es Ayacucho. Las varias acepciones del idioma me permiten creer más en este significado que en el tétrico y difundido “rincón de muertos”. De Ayacucho son también las madres del ANFASEP (Asociación Nacional de Familiares de Desaparecidos, Detenidos y Torturados del Perú), verdadera morada de alma de nuestro pueblo. Ellas como todos los afectados por el conflicto armado interno que luchan contra todo y todos por verdad y justicia, son rincón y refugio, precisamente, de la verdad y la justicia. Moradas para tomar impulso y fuerza frente al dolor y la indiferencia de los sectores más conservadores de nuestra sociedad, principales perpetuadores de esta condición.

Sobre las obras…

Morada del Alma cuenta con cuatro piezas de formato grande trabajadas por medio del claro oscuro sobre tocuyo crudo, con sutil uso de texturas, donde el material y la imagen se complementan y encuentran su propio sentido. La muestra, podría decirse, está dividida en dos. De un lado “La Luchadora” y “Sin Palabras”, piezas que hacen referencia al papel de los familiares en estos 30 años de rechazo y de lucha constante.

“La Luchadora”, como obra, es el punto de partida de toda la propuesta visual y conceptual de la serie, y está además, dedicada a las madres del ANFASEP. Son precisamente ellas las que en el año 1983, durante el pico más alto de violencia se organizan como asociación, antes que nadie para pedir por sus hijos, por justicia y respeto a los DD.HH. En esos años confeccionaron, con costalillos de harina regalados, una banderola que rezaba: VIVOS LOS LLEVARON, VIVOS LOS QUEREMOS. A ese remiendo de costalillos llaman cariñosamente La Luchadora. Es justamente este material frágil pero potente el que sirve de insumo para crear toda la serie de Morada de Alma. Rescatar ese primer material precario, insumo podre y recursero de las que lo tiene todo en contra, para convertirlo en pieza de exhibición. Tocuyo de costalillos de harina, que por precario es potente, que por simple, contundente y por pobre nos interpela.

En “La luchadora” son los rostros orgullosos y felices de mujeres valientes seguras de sus derechos, los protagonistas.

“Sin palabras” es un tocuyo remendado e intervenido con un fragmento del testimonio de Angélica Mendoza, fundadora y primera presidenta de ANFASEP.

"Señor yo no tengo miedo de morir, moriré, les daré los cinco solcitos que tengo, por la pérdida de su bala; pero, primero díganme dónde está mi hijo, cuando sepa dónde está mi hijo voy a morir tranquila". (Mamá Angélica dijo estas palabras sola y rodeada de militares que discutían si matarla o no, mientras buscaba a su hijo entre varios cadáveres amontonados en un socavón, segundos después de que una bala le rozara la cabeza. El mismo espíritu incansable y brioso de casi treinta años de lucha).

La otra mitad, está conformada por dos piezas, “De Cuerpo Presente I” y “De Cuerpo Presente II”: Ambas representan al familiar víctima y la presencia-ausencia de éste, del dolor, del recuerdo y del “trauma”, en los deudos.

“De Cuerpo Presente I”, es la imagen de un Cristo crucificado con una máscara de diablada puneña y debajo la frase “sus derechos humanos son una cojudez”. La representación del cuerpo del dios católico en alusión al cuerpo agredido de los afectados por el terror. La máscara explora explicaciones de fondo del conflicto, va más allá e intenta encarnar el choque de culturas que vivieron nuestros pueblos desde la conquista. La satanización del indio y su cultura, el etnocidio que tuvo como aliando ideológico en la conquista y durante la república a la iglesia católica, cuyo máxima autoridad dijo textualmente, en una nueva versión del mismo pensamiento virreinal, la frase que se lee a sus pies. Lógicas que casi doscientos años después se siguen repitiendo.

Completa el díptico un saco y un pantalón, como si estuviera siendo velado en la década de los 80 en la sierra peruana, de cuerpo ausente. Debajo de él la frase, “Soy algo sin vida pero que respira”, el familiar perdido pero vivo en la memoria de los familiares, latente, esperando justicia, y ciudadanía.

Completa la muestra un objeto colgante en el centro, una especie de quipu-rosario de objetos de la vida cotidiana envueltos en tocuyo, el material cohesionador de todas las piezas, que envuelve y protege, que oculta y re significa estos objetos que se tornan depositarios de la memoria del ausente en casa, en el trabajo, en la vida.

El Sentido general del alma

La memoria individual del familiar y por lo tanto su vida cotidiana, al no poder desligarse del hecho traumático de la desaparición violenta del ser querido vive como en aparente “pausa”, la presencia y el recuerdo constante son tortuosos. Muchos son los testimonios recogidos por la CVR de familiares que dicen estar “como locos” o que “no son los mismos… y que lloran todo el tiempo”. Ejemplos claros de las consecuencias del olvido impuesto desde el poder a todo lo que signifique la memoria del conflicto armado interno.

Precisamente se debe de buscar el otro tipo de “olvido”, aquel que es el resultado de un proceso de memoria reconstruida y trabajada colectivamente, el mismo que tendrá una dimensión terapéutica. Sanación que va de la mano, ciertamente, con la justicia y reparaciones a los afectados. Luego de esto, recién, podríamos empezar a hablar, a nivel individual, del olvido sanador.

A nivel social, el resultado no será el olvido, por el contrario, la memoria viva nos obligará a empezar a construir la tan mentada reconciliación. Pero de a verdad.

Mi tercera individual, esta vez acompañó la temporada de estreno en Lima de Con-cierto Olvido de Yuyachkani ,y fue antes que nada homenaje al valor, coraje y fuerzas de flaqueza que los miles de familiares de desaparecidos-detenidos-torturados, tienen de sobra. Pero es también un reclamo a la sociedad y sus dirigentes, por la indiferencia a unos y la desidia y el sabotaje de los segundos.

Individual MORADA DEL ALMA

De cuerpo presente I
Acrílico sobre tocuyo crudo
1.50 m. x 2.50 m

De cuerpo presente II

acrilico sobre tocuyo crudo

1.50m. x 2.50m.

quipu

objeto

Materiales diversos

3m

Sin palabras

acrílico osbre tocuyo crudo

1.60m x 3m.

La Luchadora

acrílico sobre tocuyo crudo

2.50m x 3m.

ARTE EN MOVIMIENTO. Dentro del Encuentro de Saberes y Movimientos

Exposición colectiva de arte svisuales realizada el 26, 27 y 28 de mayo de 2010.
Curaduria de Jorge Miyagui
Artistas Participantes: Colectivo Ambre, Lizbeth Ramírez, Teodoro Ramírez, Jorge Miyagui, Mauricio Delgado, Alfredo Márquez, Santiago Quintanilla, Karen Bernedo, Proyecto Bochinche, Herbert Rodríguez, Javier Vargas, Rosario (Akito) Bertrán

El Club Nacional
Óleo sobre lienzo

A partir de la imagen-icono de la salita del SIN y los vladi-videos se plantea una lectura más amplia de la clase política y el poder en la república peruana, ligada siempre a los mismo grupos socio-económicos. Por y para ellos. En un mismo espacio–tiempo-ficticio la imagen reúne a Montesino y Kouri en la conocida imagen, al lado de Mariano Ignacio Prado, acompañados de estereotípicos representantes de la clase alta limeña santiguados por Monseñor Cipriani y la cucufatería capitalina, a buen resguardo del Sinchi La Vera Hernández. Tres aparatos del estado que cambian de actores sin perder el control de su club de recreos personal.

Sobre "Hoy mi deber fue…"

Transmisión virtual realizada el 5 de abril y el 5 de junio de 2010.

¿Por qué accionar en dos fechas diferentes? ¿Por qué precisamente esas dos fechas?

La performance virtual se propuso poner en evidencia la relación que existe entre los sucesos de Bagua de hace un año y el autogolpe fujimorista de 1992, mediante una acción transmitida en directo que intenta subrayar en el sentido común ambas fechas como parte de un mismo proceso.

Hace diecisiete años, el recién estrenado dictador Fujimori instauro por la fuerza un nuevo modelo económico en el Perú, el neoliberalismo. Las primeras medidas, y sus consecuencias más dramáticas aparecen, ahicito nomas, en la década de los noventa. Diecisiete años después su antecesor, otra vez presidente, no sólo continúa el modelo heredado del dictador sino que lo profundiza y radicaliza. El perro del hortelano, los ciudadanos de segunda categoría y los 34 muertos del baguazo son expresiones y el mejor ejemplo del fundamentalismo económico del las clases dominantes y de un modelo que se perpetúa y agudiza.

Sobre la acción

Parte 1: El encuadre estático en plano de busto, mi rostro mira fijamente al espectador, luego de unos segundos empieza el mensaje a la nación del 5 de abril de 1992 de Fujimori. En respuesta empiezo a pintarme la cara con pintura roja. Me detengo, empieza García su discurso sobre la venta de la selva y la tesis del perro del hortelano. Continúo con el cuello y los hombros. García sigue, me pongo un máscara anti-gas casera (de las aparecidas en los noventas) y salgo del encuadre. FIN de la primera parte.
Parte 2: El encuadre estático en plano de busto, mi rostro pintado de rojo y con la máscara casera mira fijamente al espectador. No hay sonido, cojo una bandera peruana y voy limpiando mi rostro de pintura. Limpio lo que puedo y enseño la bandera que copa todo la toma, manchada de pintura roja.

En Hoy mi deber fue… García y Fujimori comparten espacio, se suceden en el discurso, se amplifican mutuamente y se respaldan históricamente hablando. El discurso duro, oficial desde el poder se enfrenta a la acción “heroica” del ciudadano. El texto invisible pero totalizador que enmarca nuestras vidas, así como en el video, intangible, pero con consecuencia reales en la vida cotidiana de la gente. Ante lo intangible, la respuesta de lo más real, el cuerpo dispuesto, uno mismo. El cuerpo es transgredido conscientemente por la pintura.

La pintura roja es respuesta pero también una cita a la pintura de guerra awajun, pintura que iguala, que diluye las identidades y los fenotipos. Un manifiesto de renuncia. Podríamos decir entonces, todos somos amazónicos. De renuncia para sumir el compromiso de ponerle la cara de frente a un poder estatal que no respeta ni respetó los derechos humanos de sus ciudadanos, que justifica los medios, que nos subestima, que es racista, excluyente y que traiciona su memoria.

No sólo García y Fujimori tiene en común lo ya dicho, la indignación de muchos también es la misma de hace 17 años. Así la acción artística rescata de la memoria el objeto-máscara antigas para traerlo al presente y ser recuerdo de las luchas contra la dictadura, luchas exitosas que lograron su cometido. Como enseñanza del pasado, como lección para no olvidar, como llamado a la acción.

El segundo momento de la performance (transmitida el 5 de junio de este año) no tiene audio, es la tensa calma que sucede a la tormenta. El rostro del guerrero es limpiado, restañado, curado por la bandera peruana. En silencio, con dolor, despacio y con rabia. Nación que no es nación y sí soporte de matanzas. Al final del video, el símbolo patrio aparece sucio de pintura roja ¿de sangre?

¿Acaso no nos enseñan que el color rojo de la bandera representa la sangre de los héroes? Pues será la sangre de los inocentes sobre la que se funda nuestra república, con las mismas acciones de los mismos actores de ambos lados, con el mismo poder que mancha la bandera… ya otros saldrán a las calles a lavarla.

HOY MI DEBER FUE... (parteII)

Video-performace transmitida en vivo el 5 de junio de 2010 a las 10 am. a un año de los sucesos de Bagua.

Parte seguda y final iniciada el 5 de abril de este año (ver entradas anteriores).


111 - Broadcast your self LIVE

HOY MI DEBER FUE... (parteII) TRANSMISIÓN EN VIVO

Véala el 5 de junio de 2010
Hora: 10am.